15/02/2009

vienne suite et fin

Dessins

Les quatre grands  peintres travaillant à Vienne autour de 1900 ont beaucoup pratiqué le dessin, qu’il s’agisse de dessins ‘autonomes’ ayant la valeur des œuvres à part entière, ou de dessins préparatoires pour des tableaux ou des panneaux décoratifs.

 

Klimt


Kl Dame à la cape 1897 (crayon)

1 Dame à la cape 1897 crayon et sanguine

 

Les dessin de Klimt représentent presque exclusivement des figures sur fond blanc et sont presque exclusivement composés de traits de contour qui visent à donner aux corps représentés une forme plastique cohérente ; et, secondairement, à suggérer un motif décoratif, sur une robe ou une couverture par exemple.

KL Nu (crayon) 1914

A partir de 1910, Klimt multiplie les dessins érotiques en conservant à ses figures, en dépit de poses volontairement scabreuses, une véritable élégance, qui accroît l’effet recherché

Schiele :


Sc Jeune fille agenouillée,.. 1917

 

Dans ses dessins rehaussés d’aquarelle ou de gouache, il désarticule ou tronque les corps, leur fait former des angles cruels, ignore superbement les proportions. En ce sens, on peut dire que ces dessins érotiques – comme ses auto-portraits dessinés, d’ailleurs- ont contribués à l’évolution de l’œuvre de Schiele vers l’expressionnisme.

Moser

Plus rares, les dessins de Moser (surtout des études ou des esquisses pour des peintures) s’attachent aussi à saisir synthétiquement les figures sur un fond neutre, par des traits continus qui le cernent.

Kokoschka


_kokoshka dessin 2Kokoschka1958_61

Si Kokoschka produit de nombreux dessins où dominent les traits de contour, et qui font immédiatement penser à Klimt, dans d’autres, à la plume et à l’encre, il utilise beaucoup les hachures. Aussi bien s’éloigne-t-il de l’esthétique raffinée de Klimt pour donner des scènes ou des êtres qu’il représente une vision sommaire, parfois même brutale, qui n’exclut pas la laideur. A plusieurs époques de sa vie, Kokoschka a également dessiné des paysages.

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vienne 7

Kokoschka

 

Couple d’amants avec un chat, 1917, huile sur toile,  93,5 x 130,5 cm , Zurich

Spontané, l’écho de la femme qui ne répond pas ; la sienne l’avait quitté

 oskar_kokoschka_gallery_4

ko Couple d'amants (nus) 1913

Couple d’amants(nus) ,1913 (Alma Mahler et lui)

Veuve du compositeur  Mahler, Alma était au centre de l’élite artistique à Vienne lorsque Kokoschka fit sa connaissance en avril 1912. Son amour passionné pour elle a durablement marqué son œuvre, et s’exprime dans plusieurs tableaux de cet époque. Elle le quitte quand il part au front, comme volontaire, en 1915, pour épouser peu après l’architecte Gropius

untitled

A partir de 1911, Kokoschka commença une série de grandes peintures à huile traitant de thèmes bibliques :  la  Fuite en Egypte (1911-12),  Crucifixion (1912), et l’ Annonciation (1911).  Sur le plan stylistique, ces tableaux constituent le résultat de son séjour à Berlin et de ses impressions artistiques recueillis là-bas. Ici, la structure pittoresque se concentre et se consolide, la surface devient plus opaque. Stimulé par les exemples cubistes et orphiques, le motif est recouvert d’un réseau de traits de pinceaux appliqués en prismes, ce qui donne l’impression que la couleur des tableaux est brisée à plusieurs reprises. Grâces aux œuvres religieuses de ces années, on voit apparaître pour la première fois un groupe d’œuvres dont la signification artistique et la puissance d’expression peuvent concourir avec ses portraits de la même époque, et qui surpasse encore les panoramas des villes qu’il réalisera plus tard. Une toile telle l’Annonciation  relie les deux sujets en intégrant le paysage dans le tableau de personnages. En représentant Marie visiblement déjà enceinte et la silhouette nue, asexuée de l’ange, Kokoschka crée son propre langage symbolique, éminament personnel, libéré de l’iconographie biblique traditionnelle. A l’aide de ce langage, il cherche une expression individuelle codée dans les contenus bibliques profanes pour décrire sa situation personnelle avec Alma Mahler, et réalise une projection de son rôle d’artiste à la veille de la guerre. Dans l’ Annonciation  également, et ainsi de façon comparable dans le double portrait de Hans Tietze et Erica Tietze-Conrat», les mains remplissent une fonction dominante dans la composition du tableau. Kokoschka compose de façon subtile le jeu alternatif et chargé de tension des gestes protecteur et de rejet.

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vienne 6

Schiele

Les thèmes favoris de Schiele sont : l’amour, le sexe et la mort.

schAgonie 1912

 

Agonie, 1912, huile sur toile, 70 x 80 cm, Munich, Neue Pinakothek

Œuvre fait de morcellements : 2 moines, 2visages, 4 mains. C'’est une forme d’autoportrait ( le moine âgé est témoin de la mort de l’autre)

L’homme et la mort ,(celui qui ce voit lui-même),1911, huile sur toile, 80,3 x 80 cm, Galerie Saint-Etienne de New York

schiele_death


 

Troisième et ultime variation à l’huile sur le thème ‘Doubles autoportraits’, cet aussi celle qui recèle les explicites connotations symboliques, et présente l’exécution picturale et structurale la plus modérée. Revécu par Schiele à la lumière de l’auto-analyses bouleversantes, le thème typiquement germanique du Memento Mori, cher à la fantaisie de Böcklin, Corinth, Grien et beaucoup d’autres, trouve une claire formulation dans la tête du mort située en arrière, dont les traits spectraux évoquent avec une force suggestive proprement macabre les cavités orbitales, le haut crâne nu, la mâchoire anguleuse du jeune peintre, attentif à se scruter avec une fixité hypnotique et maniaque.

 



 

 

 

 

 

mo Le marcheur 1914


Moser : Il s'inspire des légendes germaniques.Ses compositions sont rigoureuses et simplifiées. Vénus dans la grotte et Le Marcheur ont été crées ensemble pour faire une paire.

La grâce féminine s'oppose à la force masculine. L'ovale domine la composition de ses œuvres. Le Marcheur dont il fera deux versions est à identifier à Odin.  

 

Moser venus dans la grotte


 

 



 

                     

 

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vienne 5

La section « histoire » (30 tableaux : 8 Klimt, 5 Kokoschka, 8 Moser, 9 Schiele)

Dans l’ancienne hiérarchie des genres picturaux, l’histoire et avec elle l’allégorie tiennent la première place. Parce qu’elles font la part belle à l’imagination, elles constituent le genre de prédilection  non seulement du public , mais des artistes ex-mêmes. Mais s’ils reprennent ainsi un genre traditionnel, les Sécessionnistes, le détournent  dans un esprit résolument « ornemental ». Ce passage de la présentation au décor, du tableau de chevalet à des grands panneaux monumentaux, ressortit au mouvement général qui, à la fin du 19° siècle, voit partout en Europe un renouveau des arts décoratifs. Cet essor remarquable entraîne une évolution du vocabulaire formel couramment utilisé dans la peinture. La perspective notamment, qui ordonnait jusque là les compositions pour donner l’illusion d’une troisième dimension, est abandonnée. Les artistes de la Sécession, Klimt le premier, reviennent à la surface réelle du tableau ou du mur, à leurs seules deux dimensions.

Klimt

Les trois âges de la vie ,1905, huile sur toile, 180 x 180 cm  Rome Galleria d’Arte Moderna e Contemporeana

Kl Les 3 ages de la femme 1905

Naissance, épanouissement et déclin de la femme ; contrairement à la tradition ou on prenait un homme pour ça. Il n’a pas embelli, ni caché l’état des corps. Peinture déjà décorative, le fond est en aplat, deux zones  sombres qui forment une croix, avec les éléments colorés


 

 

Judith II ,1909, huile sur toile Venise Ca’Pesaro ,178 x 46 cm.

KL judith II 1909

Basé sur l’ancien testament.

Figure emblématique de l’exposition


 

 

Kl danaé 1907

 


 

 

Pallas Athéna, 1898, huile sur toile, 75 x 75 cm, Vienne , Musée historique de la ville.

Son cadre de cuivre repoussé a été exécuté par Georg Klimt, frère du peintre. L’élément symbolique prend ici un relief particulier, même si l’image n’est pas absolument originale (inspiré d’une affiche de von Stuck en 1897). Figure emblématique de la Sécession

kl Pallas Athéné 1898

Danaé 1907 , huile sur toile, 77 x83 cm,  collection Hans Dichand .

Période doré 1907-1908.La femme est rousse = séduction ; elle est disponible.

Notons la position, l’importance de la cuisse.

 

Mythologie : Zeus se change en pluie d’or pour pouvoir fécondé Danaé 

15:42 Écrit par Nic dans art | Lien permanent | Commentaires (0) |  Facebook |

Vienne 4

Koloman Moser

Autoportrait ,1916, huile sur toile marouflée sur carton, 74 x 50 cm, Vienne

Portrait frontal très symétrique, il était déjà très malade. Il a toujours une auréole autour de la tête ; vue un peu mystique ; couleurs blanc , bleu, jaune ( théosophie = tout est sacré) ; regard russe

Mo Autoportrait 1916


 

 

 

Oskar Kokoschka

L’oeuvre est expressionniste, pas torturé comme chez Schiele. La facture picturale, le traitement pictural est plus important; notons la gestualité, il ne fait pas d’étude préparatoire, il utilise des grosses brosses et des spatules, le travail est rapide, spontané. Il essaie de capturer l’intériorité, l’état d’âme du sujet.  Chez lui c’est l’esthétique du rude, très opposé à la manière de peindre de Klimt. Une gestuel particulière, les mains et le visage traduisent l’expression. Il essaie de faire naître des images spontanées.

Double portrait (lui et Alma Mahler) 1912

Ko Double portrait 1912

 

 

Alma Mahler, 1912, huile sur toile, 62 x 56 cm, Marlborough Fine Art, Londres.

Le caractère iconique de cette peinture fait penser à des modèles de la Renaissance, comme le portrait de Mona Lisa


kokoschka_alma mahler

 

 

 

15:06 Écrit par Nic dans art | Lien permanent | Commentaires (0) |  Facebook |

vienne 3

Anciennes collections de von Reininghauss, c’est le plus sec, tendu et dramatique des quatre Nus peint pour Reininghauss : la figure est entièrement dépourvue d’éléments décoratifs (siège, environnement, …) Elle est campée dans le vide, hagarde et livide, tandis que la violente torsion du bras droit bloque le profil en une sorte d’aphasie hystérique, au confins de l’autisme et de la catatonie. Soulignons aussi la richesse des valeurs formelles de ce tableau. Il existe une étude préparatoire à la craie noire, aquarelle et détrempe.

sch Autopotrait ,vase bleue 1911

 

Autoportrait, les doigts écartés 1911, huile sur bois, 27,5 x34 cm, Vienne, Wien Museum

Notons le gestuel : les doigts et mains, connotation sexuelle, Schiele était fasciné par les mains : la main serait autonome du corps, l’homme n’est plus responsable de ce que ferait la main (la seule chose qui n’est pas à contrôler est la masturbation). Derrière la tête, il y a une autre tête, qui est aussi la sienne(l’autre aspect, et la main, elle appartient à qui celui avec, ou celui sans visage ?).

Portrait de l’éditeur Kosmack 1910

L’éditeur Kosmack, âgé alors de trente ans, a été délibérément vieilli par Schiele ; celui-ci a donné au regard du jeune homme, saisi dans une attitude qui rappelle Le Plus Grand Amour de Don Juan de Félicien Rops ainsi que la célèbre Puberté de Munch, une expression de fixité magnétique et luciférienne (Kosmack était un hypnotiseur expérimenté) ; cette particularité apparaît avec plus d’évidence encore dans les trois études préparatoires.

Sc Portrait de l'éditeur E Kosmack 1910

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13/02/2009

vienne 2


Egon Schiele
 

Portrait du peintre Hans Massman, 1909, huile et couleurs métallique sur toile, 120 x110 cm, Zoug, Kunsthaus Zug.

Comme chez Klimt le fond est décoratif en aplat.

Le personnage représenté, peintre lui aussi, a été un compagnon d’étude de Schiele. Exposée en 1909 à la Kunsthauss Wien , l’œuvre fut considérée par le public comme le produit d’un pâle imitateur de Klimt ; au demeurant Schiele reconnaissait candidement avoir été inspiré par son célèbre collègue (format, cadrage, l’élégant décor du fond),mais une certaine dureté du cadrage(jambes coupées), l’allure fluide et nerveuse des détails de la figure, enfermé dans contours d’une netteté tranchante, situent la recherche d’un jeune peintre dans la perspective d’une quête de l’essentialité épurée des douceurs évasives et sensuelles de la plus célèbre production klimtienne.

Nu masculin assis (autoportrait), 1910, huile et gouache sur toile, 152,5 x150 cm, Vienne , Leopold Museum

schiele nu itzender

Il y a une évolution, il abandonne les fonds ; les zones blanches occupent un très grand pourcentage de la toile, l’impact est très grand. En perdant le fond, on donne plus d’importance à la figure. Le cadrage des figures est très particulier chez Schiele. La figure est seule à exprimer quelque chose. Il fait l’esthétique du laid ; la nature humaine est très dure,(enfance très marqué par la perte dune sœur et de son père) très brute, émaciée. Chair, moignons en putréfaction, tâches rouges sur les yeux, les mamelons, le nombril et le sexe

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